排名和評級！ 21世紀最佳歐洲專輯

上個月，我們給了你我們的排名21 世紀歐洲 30 部最佳電影。

現在，歐洲新聞文化團隊再次出擊，為您帶來另一個雄心勃勃的名單：21 世紀最佳歐洲專輯。

我們遵守三個簡單的規則：

1. 藝術家或樂團必須是歐洲人，他們的專輯必須是在 2000 年至今發行的。
2. 短片、Maxis 或 EP 不符合資格。
3. 任何藝術家或樂隊只能出現一次。

言歸正傳，以下是 21 世紀歐洲 30 強專輯：

30) 黃金日 - 路

（荷蘭/土耳其 - 2021 年）

我們將 Altın Gün 的《Yol》作為我們的 21 世紀最佳歐洲專輯清單的第一個條目。儘管迷幻搖滾樂團的總部位於阿姆斯特丹，但他們的音樂主要源自於對傳統土耳其民間音樂的重新想像，並為其註入了當代的製作風格。值得注意的是，樂團的迷人主唱 Merve Daşdemir 和 Erdinç Ecevit Yıldız 都來自土耳其。 Altın Gün 於 2016 年嶄露頭角，其最初的兩個項目“On”和“Gece”（後者獲得了格萊美獎最佳世界音樂專輯類別的提名）贏得了廣泛的好評。然而，在他們於 2021 年發行的第三張專輯《Yol》中，他們獨特的聲音表現得最為耀眼。樂團在時髦迷幻搖滾、80 年代迪斯科和催眠打擊樂節奏的基礎上引入了全新的合成器和鼓機。這張專輯的製作品質確實非常出色，其中包括“Hey Nari”、“Maçka Yollari”和“Yüce Dağ Başında”等出色曲目。從本質上講，Altın Gün 獨特的音樂風格使他們有別於其他任何樂隊，他們非凡的才華確實值得主流認可。西奧·法蘭特

29) 海因斯 – 我不跑

（西班牙 - 2018）

西班牙獨立搖滾樂團 Hinds 的第二張專輯《I Don’t Run》熱情、暴躁、活躍，充滿了低保真、龐克的態度，這使得他們正義的女孩力量品牌成為一種令人上癮的力量。他們在 2016 年發行的首張專輯《Leave Me Alone》將 Carlotta Cosials、Ana García Perrote、Amber、Ade Martín 和 Amber Grimbergen 推向了歐洲獨立音樂界的最前沿。擅長為他們的錄音（和現場表演）提供響亮的夏日獨立流行音樂和可愛的粗糙邊緣能量，“I Don’t Run”證明瞭如果你想要一個歡快的配樂來凌亂。急需好好踢一腳的時候，Hinds 就是您的停靠港。 《Soberland》中的吉他即興重複段、朗朗上口的《New For You》和復古流行的《Echoing My Name》都大放異彩，還有《Tester》有力的演示魅力和受衝浪影響的《Linda》 ——所有這些都融為一體進入一張讓憤怒和心碎感到振奮的專輯。如果您還不知道馬德里四重奏，那麼您夏天的喧鬧之聲就在這裡。大衛·莫里康德

28) 昆比 - 呼氣

（匈牙利 - 2005 年）

匈牙利另類搖滾樂團 Quimby 合作超過 25 年，其專輯《Kilégzés》（《呼氣》）成為樂團歷史上的一個重要里程碑，並讓他們在匈牙利主流音樂界佔有一席之地。這張專輯中的一首歌特別引人注目：「Most múlik pontosan」——字面翻譯為「Fleeting Away」或「I Let It Pass Me By」。它甚至啟發了一部名為我放手了由 Balázs Lévai 創作，涵蓋了這首歌的背景。但這並不是它廣受歡迎的原因，也不是許多其他歌手選擇翻唱這首歌的原因（也是匈牙利星探表演中表演者廣泛青睞的選擇）——它只是一首非常好的歌曲。在尋找 2000 年代最受歡迎的匈牙利流行歌曲時，這首歌曲成功地捕捉了匈牙利民間靈魂、哭泣的安慰、放棄的浪漫，天才的組合——所有匈牙利文化傳統上重要的元素。如果沒有聽過這首歌的至少一個版本，就不可能參加著名的匈牙利音樂節 Sziget Festival。多洛雷斯·卡塔尼奇

27) IC3PEAK – 多斯維達尼亞

（俄羅斯 - 2020）

電子二人組 IC3PEAK 是俄羅斯多年來最令人興奮的樂隊之一，他們憑藉 2018 年爆炸性熱門單曲“Смерти больше нет (Death No More)”嶄露頭角，並被列入了莫斯科的黑名單。 IC3PEAK 因其融合了女巫之家童話噩夢和政治異議的戲劇音樂視頻和表演而聞名，已獲得數百萬次播放，並擁有包括 Grimes 和 Skrillex 在內的著名粉絲。他們的 2020 年專輯“До Свидания”（Do Svidaniya，“再見”）展示了他們的全部音域，Nastya Kreslina 令人難忘的歌聲完美地點綴了 Nikolay Kostylev 的原始製作。歌曲“TRRST”由前 6ix9ine 詞曲作者 ZillaKami 演唱，涉及審查制度，Kreslina 用英語演唱：“媽媽，他們說我是恐怖分子（什麼？）/我沒有做錯什麼，但我上了黑名單”。在《Плак-Плак (Boo-Hoo)》中，他們探討了 2017 年俄羅斯將家庭暴力合法化的問題。安卡·烏萊亞

26) Kae Tempest – 讓他們吃混亂

（英國 - 2016 年）

當他們開始發行專輯時，Kae Tempest 長期以來一直是英國口語界的後起之秀。在 2014 年第一張專輯《Everybody Down》中，他們熾熱的歌詞將一個故事與鼓和貝斯的節奏融為一體。 Tempest 在 2016 年的後續專輯《Let Them Eat Chaos》中創造了一些崇高的東西。 《讓他們吃混亂》在混亂的英國脫歐公投僅幾個月後發布，講述了倫敦街道居民在凌晨 4 點 18 分醒來的故事。階級、政治、毒品、性別、暴力和幽默都融入了《暴風雨》輕鬆精彩的抒情故事中。想要更好地總結剛搬起石頭砸自己腳的支離破碎的英國，只要看看專輯的核心歌曲《Europe is Lost》就可以了。喬尼·沃爾菲茲

25) Manu Chao - 下一站：希望

（法國/西班牙 - 2001 年）

1998 年，已解散樂團Mano Negra 的創始人何塞·曼努埃爾·托馬斯·阿瑟·趙(José-Manuel Thomas Arthur Chao)（更廣為人知的名字是Manu Chao）在其首張個人專輯《Clandestino 》在國際上獲得成功後，緊隨其後，推出了令人興奮的多元文化影響和融合。這位法國-西班牙藝術家傾向於用多達七種語言演唱，《Próxima Estación: Esperanza》也不例外——這是一個多元化的熔爐，包括西班牙和拉丁美洲民謠、非洲節奏和大量雷鬼音樂。這一切就像你在廣播中聽到的一場熱鬧的街頭派對一樣，有廣播、聲音和人群噪音的樣本。從古巴號到羅馬的影響，再到新奧爾良的繁榮和時髦的流行音樂，Manu Chao 所傳達的快樂具有感染力，無論他唱的是多元文化主義、寬容、政治還是雜草。這張專輯的亮點是其主打單曲“Me Gustas Tú”，用西班牙語和法語演唱，通過一首關於困惑和失落的天真浪漫的歌曲更好地反映了他的雙重身份（“¿Qué voy a hacer？ , je ne sais pas / ¿ Qué voy a hacer?, je ne sais plus / ¿ Qué voy a hacer?, je suis perdu / ¿ Qué hora son, mi corazón?”）。這聽起來就像雅克·普雷維爾（Jacques Prévert）的一首詩，簡單的旋律概括了這張格萊美提名專輯樸實卻經過修飾的聲音。DM

24) 中等 – II

（德國 - 2013 年）

在電子舞曲領域，你會在柏林臭名昭著的 Berghain 中聽到的激烈而無情的俱樂部曲調與純流行電子音樂的質樸、糖衣旋律之間存在著明顯的鴻溝。然而，在 Apparat（Sascha Ring）和 Modeselktor（Gernot Bronsert 和 Sebastian Szary）之間的合作 Moderat 中，他們的第二張全長專輯《II》堪稱傑作，堪稱絕妙之作。廚房裡有三位廚師，你可能會認為這兩家電子巨頭的風格會發生衝突。但這裡沒有任何不和諧的跡象。這張專輯的早期瑰寶《Bad Kingdom》完美地體現了 Moderat 聲音的精髓。 Apparat 空靈的歌聲縈繞著聽眾的感官，美妙地坐落在怪物貝斯線、溫暖的打擊墊和精心製作且不斷發展的鼓節奏之上。透過“II”，Moderat 展示了電子音樂流派的無限潛力，證明它可以超越其感知的局限性。這部非凡的作品也起到了催化劑的作用，激發了新一波才華橫溢的藝術家，如喬恩·霍普金斯 (Jon Hopkins)、浮點 (Floating Points) 和旅遊者 (Tourist)。TF

23) 傑瑪·海耶斯 - Night on my Side

（愛爾蘭 - 2002 年）

愛爾蘭在過去23 年裡的音樂作品令人印象深刻，麗莎·漢尼根(Lisa Hannigan) 的《Sea Sew》、達米安·賴斯(Damien Rice) 的《O》、《神曲》的《 Bang Goes The Knighthood》、詹姆斯·文森特·麥克莫羅(James Vincent McMorrow) 的《Bang Goes The Knighthood》等專輯都令人心情沉重。 Apes》精彩的《Fight Like Apes and the Mystery of the Golden Medallion》均未進入前30 名名單。儘管如此，兩張入選的愛爾蘭專輯中的一張是蒂珀雷裡出生的歌手傑瑪·海耶斯 (Gemma Hayes) 的一張未被充分賞識的寶石。 《Night on my Side》是她的首張唱片，在夢幻般的遺忘和沈重的吉他之間切換，這是Beth Orton 和PJ Harvey 之間的拉鋸戰，如果你願意的話，這場拉鋸戰至今仍創造奇蹟。她豐富的歌曲集擅長平衡朗朗上口的即興重複段（《Hanging around》、《Let A Good Thing Go》）和更溫柔的曲目（《Tear In My Side》、《Ran For Miles》），而Hayes令人心曠神怡的懺悔歌詞讓為了美麗的內省。自 2002 年以來，每次聆聽都會產生令人心潮澎湃的喜悅和華麗的情感共鳴，此後很少有人能夠喚起人們的共鳴。無論您是否聽說過她，毫無疑問傑瑪海耶斯和她持續發行的唱片代表了翡翠島最珍貴的音樂出口之一。DM

22) 蜂巢－維尼維迪惡毒

（瑞典 - 2000 年）

儘管是在 21 世紀初推出的，但 The Hives 的傑作《Veni Vidi Vicious》——其名字是雙關語，指的是公元前 47 年征服小亞細亞後凱撒大帝的名言——聽起來一如既往的新鮮。多年來擁有無數的熱門歌曲- 如果您忘記了它到底有多偉大，請再聽一遍搖滾樂和開創性的“Hate to Say I Told You So” - 瑞典五人組的第二張錄音室專輯贏得了普遍讚譽也就不足為奇了來自音樂評論家。 「Veni Vidi Vicious」也鞏固了樂團作為一支真正的創意團隊的地位，即「Main Offender」的影片看起來就像一部漫畫動畫，跟隨成員們踏上了穿越「Punkrock city」的驚心動魄的旅程，他們的任務是擊敗一些人邪惡的克隆人按照他們的形象製造出來——為什麼不呢？今年慶祝成立 30 週年，The Hives 依然強勁。他們將於今年八月發行期待已久的第六張錄音室專輯《蘭迪·菲茨西蒙斯之死》。考慮到“Randy Fitzsimmons”這個名字指的是樂隊想像中的第六名成員及其經理人，他通常被認為是The Hives 曲目中唯一的詞曲作者，這張新唱片將為瑞典樂隊注入更多新的生命。薩斯基亞·奧多諾霍

21) 集團黨 – 無聲警報

（英國 - 2005 年）

2000 年代上半葉是一場名副其實的英國獨立音樂洪流：The Libertines、Franz Ferdinand、Kaiser Chiefs、Arctic Monkeys、The Kooks、Kasabian、Editors、The Rakes……很難跟上潮流，NME 迴聲室令人眼花繚亂。無所不在的「我們想成為新的 Strokes」姿態導致了「垃圾掩埋場獨立」這個貶義詞；儘管歷史對英國 00 年代中期的場景並沒有太仁慈，但 Bloc Party 和他們出色的首張專輯《Silent Alarm》至今仍然脫穎而出。與同時代的人不同，Kele Okereke 和他的同伴更多地受到後朋克和舞曲節奏的影響，並將他們緊張的能量轉化為完美的音符、無填充物的意圖陳述。像《Banquet》、《Helicopter》和《This Modern Love》這樣的歌曲今天聽起來仍然像 18 年前一樣激動人心，專輯的情感核心也經受住了時間的考驗。如果有一張專輯不能被丟進後英式流行音樂垃圾箱，那就是《Silent Alarm》。DM

20) Dizzee Rascal – 角落裡的男孩

（英國 - 2003 年）

無論是Skepta 屢獲殊榮的專輯、Stormzy 在2019 年格拉斯頓伯里令人震驚的頭條新聞，還是英國人才對美國更大的說唱行業日益增長的影響力，grime 都是21 世紀英國最大的文化運動之一世紀。這是一切開始的專輯。 Grime 在盜版廣播電台中已經存在了一段時間，但 Dizzee Rascal 2003 年的專輯“Boy in da Corner”將其推向了主流。流暢的無政府主義舞蹈節奏和 Rascal 獨特的聲樂節奏，在英國排行榜上沒有任何聽起來像它的東西。事實上，拉斯卡爾是英國最機智的抒情詩人之一，他仍然能夠梳理出生活的黑暗，這一事實並沒有帶來什麼壞處。 《Boy in da Corner》將 Rascal 推向明星地位，贏得了水星獎並導致後續排行榜上的熱門歌曲。與 Wiley 和 Kano 等其他早期流行歌手一樣，《角落裡的男孩》為二十年後 Stormzy 等藝人的大受歡迎奠定了基礎。傑威

19) 羅莎莉亞－本巳

（西班牙 - 2022 年）

《Motomami》不僅僅是羅莎莉亞獲得葛萊美獎的第三張錄音室專輯的標題，它還體現了一種整體氛圍。 《城市詞典》將這個詞描述為“自由和做出大膽選擇的自由”，這種能量隨著“BIZCOCHITO”等曲目的劇烈波動而沖刷著你。 Rosalía 被認為是西班牙最具影響力的歌手之一，自2017 年發行首張專輯《Los Ángeles》以來，她獲得了廣泛的好評，因其將傳統弗拉門戈風格與現代流行和嘻哈音樂的創新融合而受到讚譽。 2022 年發行的《Motomami》是迄今為止最令人興奮的例子，它突破了界限，融合了糟糕的波普音樂，充滿實驗主義的活力。在雷鬼音樂的推動下，羅莎莉亞的世界迅速成名，有毒煙霧吞沒了她，然後又放慢了速度，進入了醞釀的性感和自我反省的狀態。聆聽“Motomami”，成為Motomami。琥珀布萊斯

18) 麥可‧基瓦努卡 – 愛與恨

（英國 - 2016 年）

麥可·基瓦努卡(Michael Kiwanuka) 以其同名熱門唱片當之無愧地贏得了著名的水星獎，四年前，這位創作歌手推出了他的2016 年專輯《愛與恨》(Love & Hate)，這張專輯鞏固了他作為英國當代最佳藝術家之一的音樂才華。這張專輯最出名的可能是熱門電視劇《大小謊言》的片頭曲“Cold Little Heart”，以及出現在無數節目和電影中的同名歌曲“Love & Hate”，這張專輯不僅僅取得了商業上的成功。這張專輯的第一首單曲是“Black Man in a White World”——它確實很引人注目。基瓦努卡（Kiwanuka）將其開頭稱為「奴隸音樂」——伴隨著扭曲的阿卡貝拉聲音的鼓掌聲被放克和令人難以忘懷的和聲所取代。基瓦努卡的黑人身分和經驗是貫穿《愛與恨​​》的突出主題，從這個角度來看這張專輯是不可能的。 《愛與恨》如此令人難忘的原因之一是基瓦努卡無縫融合各種流派的方式；這張專輯融合了多種音樂風格，受到 60 年代和 70 年代靈魂樂、搖滾樂和民間音樂的影響。其複雜而富有層次的製作，與 Kiwanuka 流暢而深情的聲音相結合，使其成為一種身臨其境且強大的聆聽體驗。草皮

17) 羅伊辛‧墨菲 – 羅伊辛機器

（愛爾蘭 - 2020）

Róisín Murphy 的 2020 年專輯《Róisín Machine》是一張名副其實的傑作，展示了這位愛爾蘭創作歌手的才華，同時探索了從電子音樂、迪斯科到 house、funk 和靈魂樂等各種流派。這張專輯是墨菲迄今為止排名最高的專輯，出現在無數的“年度專輯”名單中。它的特別之處有很多原因，包括高品質的製作價值、創意的歌詞以及墨菲獨特的聲音和能量，它們無縫地融合在一起，創造了令人難忘的聆聽體驗。開場曲「Simulation」以迪斯可劇本中的推進節拍和脈動合成器定下了基調。充滿放克風格的《Kingdom of Ends》增添了深情的轉折，而《Something More》則是一段閃閃發光的浩室音樂，放在 90 年代的舞池裡也不會顯得格格不入。墨菲的聲音毫無疑問，使每首歌曲都充滿個性和才華。歌詞也常常詼諧而富有洞察力，以一種親切但絕不陳腔濫調的方式探索愛、慾望和挫折的主題。 《RóisínMachine》的核心是一張既懷舊又新鮮的專輯。無論您是迪斯可、浩室音樂還是流行音樂的粉絲，每個人都能找到適合自己的內容。草皮

16) Lykke Li – 受傷的韻律

（瑞典 - 2011 年）

夢幻、黑暗、斑駁的月光感覺，《受傷的節奏》讓你想跑過鬧鬼的森林，思考心碎的感覺。瑞典歌手 Li Lykke Timotej Zachrisson（名為 Lykke Li）於 2011 年發行了第二張錄音室專輯，該專輯濃縮了獨立/電子流行音樂中悲傷女孩的品牌，反思單相思和渴望；發自內心的聲音讓思想變得生動，配樂為許多千禧世代的成年時刻。從富有感染力的熱門單曲《I Follow Rivers》到陰鬱色調的《I Know Places》，《Wounded Rhymes》因其大氣的製作、獨特的藍調影響以及喚起真實情感的能力，在Lykke 的（被忽視的）唱片中脫穎而出。AB

15) Noir Desir – 人物臉孔

（法國 - 2001 年）

《Des Visages Des Figures》是法國最受推崇的樂團之一 Noir Désir 的最後一張專輯。他們在 1996 年憑藉《666,667 Club》進入主流，但這是他們的最後一張專輯，成為 Hexagone 最暢銷的專輯之一。他們的第六張唱片比之前發行的要安靜得多，並涵蓋了多種音樂流派；靈感源自Léo Ferré 的《Des Armes》、震撼人心的搖滾歌曲《Lost》、末日般的聲音《Le Grand Incendie》以及受爵士樂/中東影響的史詩《L'Europe》——一首蔓延而迷人的反對全球化——這張雄心勃勃的專輯沒有什麼不包含的。許多藝術家參與其中，包括前面提到的 Manu Chao，他在熱門單曲“Le Vent Nous Portera”中擔任吉他手，這是一首令人眼花繚亂的民謠流行歌曲，是樂隊最偉大的歌曲之一。令人眼花繚亂的影響組合創造了一種令人著迷的喜怒無常、有時令人不安的氛圍，回想起來，一切都變得更加明顯。事實上，Noir Désir 於 2010 年宣布解散，主唱 Bertrand Cantat 因其伴侶、法國女演員 Marie Trintignant 意外死亡而入獄。他的罪行注定了四重奏的職業生涯，但並沒有阻止《Des Visages Des Figures》成為一張緊張而精湛的唱片，它完全讓聽眾陷入一種相當獨特的旋律焦慮感，不時穿插著真正美麗的時刻。DM

14) 羅賓 – 身體談話

（瑞典 - 2010 年）

「我有一些消息要告訴你。女性機器人也有感情。噢，羅賓，告訴我們。當《Body Talk》於 2010 年問世時，它永遠改變了流行音樂，並給了我們所有的感覺。這位瑞典明星的第七張錄音室專輯使她一躍成為國際巨星，並對全球流行文化產生了持久的影響。 Robyn 在 2010 年獨立發行了三部曲《Body Talk》。但這不僅僅是前瞻性思維；它還為我們帶來了 Robyn 的一些熱門歌曲，例如“Dancing On My Own”、“Call Your Girlfriend”和“Hang With Me”。 《Body Talk》是一位堅持按照自己的方式做事的藝術家的光輝證明，它像美酒一樣陳年，並將作為 21 世紀流行歷史上最美妙的時刻之一被永遠銘記。非盟

13) 2ManyDJs – 正如在 Radio Soulwax Pt. 上聽到的那樣2

（比利時）（2002）

正如在《Soulwax Pt 廣播電台》中聽到的那樣。 2' 是 Soulwax 成員 David 和 Stephen Dewaele（也稱為 2ManyDJs）發行的第一張專輯。這是由一系列不同藝術家（包括 The Stooges、Basement Jaxx、Salt-N-Pepa、Sly & The Family Stone 和 Destiny's Child）重新混音和拼貼的 45 首曲目的瘋狂且令人印象深刻的混搭。從紙面上看，它就像一個引起偏頭痛的大雜燴；但實際上，它看起來像一個令人偏頭痛的大雜燴。然而，這些曲目的混合和融合方式卻非常用心，這表明德瓦勒夫婦擁有瘋狂的技巧。 （我們和孩子們在一起了！） 誰能料到Peaches 的《Fuck the Pain Away》能與The Velvet Underground 的《I'm Waiting For The Man》如此完美地結合在一起，Destiny's Child 和10cc 成為了理想的搭檔，或是多莉·帕頓和羅伊克索普是音速天造地設的一對？它可能聽起來像是一張新奇的唱片，但從很多方面來說，它都是一張概括 2000 年代初期的完美專輯。這無疑是 DJ 技能的持久見證，以及如何讓曲目碰撞可以更好地使它們煥發活力，或者讓您以意想不到的方式聆聽它們。整個過程，以及對當時流行文化和盜版文化的反思，都可以理智化得死去活來；歸根結底，這張毫無填充物的殺手專輯聽起來純粹是一種樂趣——一首流行/迪斯科/搖滾的電音碰撞，在全球銷量超過 50 萬張，仍然是一張值得珍藏的巧妙大雜燴。DM

12) Kraftwerk – 環法自行車賽

（德國 - 2003 年）

當談到有史以來最具影響力和創新性的樂團時，Kraftwerk 無疑是其中的佼佼者。這支來自德國杜塞爾多夫的電子樂團自60 年代末以來就已嶄露頭角，並於1970 年發行了他們的第一張專輯。音樂表達的界限，並用他們的技術激勵了其他藝術家-注入技術。 Kraftwerk 的第十一張錄音室專輯「Tour de France」是樂團 1983 年專輯「Tour de France Soundtracks」的重新製作，該專輯是為環法自行車賽 100 週年而發行的。它也標誌著樂團 17 年來的首張新專輯，也是 Kraftwerk 聯合創始人 Florian Schneider-Esleben 的最後一張專輯。充滿刺激的合成器和振動的節拍，最引人注目的是它的曲目，如“Elektro Kardiogramm”，層疊著重擊的心跳、粗重的呼吸和機器般的聲音，反映了騎自行車的節奏、動作和感覺。正是這種對採樣的獨特運用，將音樂重新詮釋為自行車的機械原理，使這張專輯成為必聽之作，將您帶到另一個維度- 或者，實際上，是一場非常有活力的環法自行車賽。AB

11) 安德里亞·拉斯洛·德·西蒙 – 男人女人

（義大利 - 2017 年）

義大利歌手兼音樂家Andrea Laszlo de Simone 繼他的自製首張專輯《Ecce Homo》（2012 年）之後，又推出了《Uomo Donna》，這是一首複雜的聲音野獸，融合了義大利歌曲的經典和現代敏感性，並帶有強烈的迷幻感。它被多家音樂雜誌評為 2017 年最佳專輯之一，理由很充分 - 《滾石》將這張唱片描述為過去 20 年來第二好的意大利前衛獨奏專輯。不太破舊。很難充分描述他雄心勃勃的抒情風格，以及他如何回顧意大利流行音樂的黃金時代（弗蘭科·巴蒂亞托和愛德華多·貝納托浮現在腦海中），復活它並添加真正令人著迷的前衛敏感度。義大利對 Radiohead 的「OK Computer」的回應？不完全是，但野心確實存在。如果我們將EP 納入此列表中，那麼de Simone 的另一張不容錯過的專輯是他2019 年發行的專輯（也是迄今為止的最終作品，因為這位音樂家已經暫停工作以專注於他的家庭），《Immensità》，這是流行音樂與流行音樂之間真正宏偉的跨界作品和古典音樂。這是一首交響樂般的、令人難以抗拒的瑰寶，充滿了肆無忌憚的創作動力，讓人回想起 Thom Yorke 和他的快樂樂隊在 2000 年的《Kid A》中所取得的成就。也許那些與 Radiohead 的比較畢竟並不是那麼牽強。說到這裡...DM

10) Radiohead – 彩虹中

（英國 - 2007 年）

Radiohead 擁有巧妙的革新技巧。大多數製作民粹主義垃圾音樂的英國樂隊，就像他們的首張專輯一樣，從那時起就逐漸消失了。不是電台司令。相反，他們建立了各自流派巔峰的專輯唱片目錄。另類搖滾最好的專輯可以說是 1997 年的《OK Computer》。他們在 2000 年推出的《Kid A》中的千禧年電子轉向如此巧妙地預測了流行音樂的趨勢，以至於其他搖滾藝術家仍在爭先恐後地達到其高度。 2009年，他們又推出了《In Rainbows》。 《彩虹》是一部傑作。每首歌都洋溢著經驗豐富的音樂家在輝煌巔峰時的性感自信。華麗的民謠《Nude》、《All I Need》和《Reckoner》比另類搖滾歌曲更空靈，而開場曲《15 Step》聽起來仍然與眾不同。就連 Radiohead 銷售專輯的方式也很獨特，當其他藝術家與下載浪潮作鬥爭時，他們選擇了按需付費的模式。獨特、美麗、無與倫比。傑威

9) Dua Lipa – 未來懷舊

（阿爾巴尼亞/英國 - 2020）

Dua Lipa 於 2020 年發行的《Future Nostalgia》無疑是最偉大的流行專輯之一，不僅是本十年或本世紀，而且是有史以來最偉大的流行專輯之一。這張唱片中的每首歌曲都大受歡迎。從極具感染力的《Don't Start Now》到令人難以置信的朗朗上口的《Levitating》，這張專輯幾乎可以作為派對播放列表，在 39 分鐘的播放時間中沒有任何跳過。雖然這位英國-阿爾巴尼亞裔歌手已經在流行界享有盛名，但她在 2017 年推出的首張同名專輯《Future Nostalgia》使她成為全球最紅的明星之一，也是英國最紅的女明星。誰能想到一張在全球封鎖、俱樂部關閉期間發行的專輯會讓人們比以往任何時候都更跳舞？這張唱片是一種受歡迎的解脫之源，散發著充滿活力的能量，其永恆的主題是心碎、愛和堅韌。在非常短暫的時間內，這張專輯對當代音樂產生了重大影響，並重新點燃了貫穿每首歌曲的 80 年代流行舞曲的流行。TF

8）大衛鮑伊——黑星

（英國 - 2016 年）

2016 年 1 月 8 日，大衛鮑伊發行了他的第 26 張專輯《Blackstar》以紀念他的生日。兩天后，鮑伊因肝癌去世。 《Blackstar》立即成為一張充滿了音樂傳奇回顧一生的預言性分量的專輯。專輯隨附的音樂錄影帶清楚地表明鮑伊意識到自己已瀕臨死亡。就像他的職業生涯一樣，這張專輯很少花時間回顧過去。令人驚訝的是，這張專輯充滿了創新活力，是第 26 張專輯。 10 分鐘的主打歌開場曲從扭曲的電子節拍轉變為對他 70 年代風格的殘缺不全的參考。在其他地方，鮑伊厚顏無恥地將大型樂隊樂器投入與自己不和諧的戰鬥中。即使在他最具實驗性的時候，鮑伊也始終保留著創作令人愉悅的歌曲的基本技能。作為典型的變色龍藝術家，鮑伊並沒有在他的告別作品中抹去他不可知的角色。相反，他呈現了最後一個宏偉的謎團。傑威

7) 艾格尼絲‧歐貝爾－玻璃公民

（丹麥 - 2016 年）

據報道，這位丹麥歌手兼作曲家受到一篇有關“Gläserner Bürger”現象（“玻璃公民”）的文章的啟發，指的是由於社交媒體時代隱私水平下降和國家監控加強而導致人們的脆弱性- 艾格尼絲·奧貝爾（Agnes Obel）精心製作本世紀最令人身臨其境的唱片之一。她的第三張專輯是一首富有質感的遐想，展示了聽眾在她之前的專輯《Philharmonics》（2010 年）和《Aventine》（2013 年）中所珍視的空靈歌聲和大提琴/鋼琴主唱歌曲。然而，「玻璃公民」對奧貝爾來說是一個聲音和概念實驗的時刻。最好的例子恰好是專輯中最令人上癮的歌曲之一“熟悉”，其中幽靈般的電子音樂與男聲層疊在一起，而這實際上是奧貝爾低音調的聲音。這是藝術家在鏡子後面與自己二重唱的聲音。微妙的打擊樂、優雅的管弦樂以及老式鋼片琴和三角鋼琴等稀有樂器的使用，都構成了一首動人的輓歌。最令人印象深刻的是 Trautium 的使用，它是 20 年代末的合成器，目前僅存兩種型號。 《Citizen of Glass》從頭到尾都是一張令人著迷的專輯，氣氛一致，有時聽起來就像你被帶到了雙子峰周圍的樹林裡（“It's Happening Again”、“Red Virgin Soil”）。的前十名。DM

6) 艾美懷恩豪斯 – 回歸黑色

（英國 - 2006 年）

2006 年，艾米·懷恩豪斯發行了《Back to Black》——一張永遠改變了音樂的專輯。 2003 年，這位出生於卡姆登的歌手在她的首張專輯《Frank》獲得積極反響的基礎上，與當時名不見經傳的馬克·羅森(Mark Ronson) 和才華橫溢的薩拉姆·雷米(Salaam Remi) 合作，創作了她的代表作。 《Back to Black》立即成為一種現象，將懷恩豪斯推向全球明星地位，並為她贏得了令人垂涎的格萊美最佳流行演唱專輯獎。這張專輯擁有《Rehab》和《Tears Dry On Their Own》等全球熱門歌曲，定義了一個時代。它以堅定不移的誠實反映了懷恩豪斯動蕩的生活，深入剖析了她心碎的深處以及她與藥物濫用的鬥爭。懷恩豪斯從艾瑞莎·富蘭克林(Aretha Franklin) 和比莉·哈樂黛(Billie Holiday) 等傳奇人物中汲取靈感，將當代R&B、爵士樂、新靈魂樂和雷鬼音樂巧妙地融合在一起，展現出時髦而無與倫比的歌唱實力。這張專輯的影響力仍然存在，點燃了新一代女歌手的成功火炬，包括阿黛爾、莉莉艾倫、佛羅倫斯和機器，以及最近的喬伊克魯克斯和雷伊。它是藝術家的深遠影響的永恆證明，她無畏地向世界揭露了她靈魂的深處。TF

5) 比約克 - 維斯珀廷

（冰島 - 2001 年）

沒有什麼聽起來像比約克。她在90年代憑藉一系列怪異而精彩的專輯闖入國際樂壇。在她2001 年的第四張專輯《Vespertine》中，一切都被提升到了11。捲餅形狀。一切都與比約克截然相反。她的樂器很刺耳，充滿了電子惡魔的節奏。它還包含管弦樂的幸福時刻。她的聲音既是天使般的歌聲，也是女妖的哭聲。她的歌詞在天真無邪的宣言和痛苦的心理解釋之間搖擺。在《Vespertine》中，比約克充分釋放了一種音樂視野，讓聲音聽起來像她自己，而不是其他人。傑威

4) 基質 – 平方根

（比利時 - 2013 年）

法語和迪斯可節奏是怎麼回事？ First Daft Punk 憑藉 90 年代的 French House 重新定義了電子音樂的聲音（稍後會詳細介紹）。隨後，Justice 在 2000 年代對感官風格發動了攻擊。 2010 年代，輪到比利時歌手兼製作人 Stromae 稱霸舞台了。繼2009 年出人意料的國際熱門歌曲《Alors on danse》之後，Stromae 於2013 年帶著第二張專輯《Racine carrée》回歸。個性。即使不懂法語，您仍然可以絕對清晰地聽到關於愛、失去和遺憾的敘述。如果你夠幸運能聽懂法語，那麼斯特羅馬主題的深度就會顯現出來。在《Papaoutai》中，他的父親在盧安達種族滅絕中喪生；他在《Tous les mêmes》中打破了性別刻板印象；以及《強大》中的分手。心碎聽起來從來沒有這麼好過。傑威

3) PJ Harvey – 來自城市的故事，來自大海的故事

（英國 - 2000 年）

自1992 年首張專輯《Dry》以來，Polly Jean Harvey 對音樂界產生了不可估量的影響，特別是過去23 年證明，她不僅是Patti Smith 的當之無愧的繼承人，而且是世界上最偉大的唱片藝術家之一。她以最好的唱片之一“來自城市的故事，來自海洋的故事”開創了 21 世紀。她的第五張專輯浪漫、性感、沉思且美麗，是對 9/11 紐約市的情人節禮物，也是一張大型而樂觀的流行搖滾專輯，打破了 Harvey 一些更焦慮的作品。事實上，與《Rid of Me》（1993）和《To Bring You My Love》（1995）的粗俗聲音相比，《Stories...》聽起來確實華麗。儘管許多人認為這是她迄今為止最精美、最商業化的專輯，但不可否認的是，這是她最好的專輯。它為這位英國藝術家贏得了她的第一個水星獎（成為第一位獲得此殊榮的女性獨唱藝術家），不難聽出其中的原因，比如大搖大擺的“Big Exit”、流行完美的“Good Fortune 」和「A Place」 《Called Home》、充滿激情的《This Is Love》和極度浪漫的《This Mess We’re In》，這是她與 Radiohead 樂隊 Thom Yorke 的二重唱，也是千年蟲問題的縮影。當專輯以令人驚嘆的“We Float”結束時，很明顯“Stories...”是獨一無二的。自 2000 年以來，這張專輯繼續在流行搖滾音樂上留下不可磨滅的印記。DM

2) 傻朋克 – 發現

（法國 - 2001 年）

「Discovery」是法國浩室音樂的里程碑，也是對迪斯可、放克和電子流行音樂的慶祝。它收錄了 Daft Punk 一些最具標誌性和辨識度的曲目，包括“One More Time”、“Harder、Better、Faster、Stronger”和“Digital Love”，其中許多曲目自發行以來已被無數次採樣。這並不奇怪，因為它們都展示了二人組復古與現代聲音的獨特融合。 「發現」跨越瞭如此多的流派界限，以至於很難將其歸入一種風格。它被描述為法式浩室音樂、電子流行音樂、放克音樂和迪斯可音樂等。 Daft Punk 融合這些流派的能力以及對採樣的廣泛使用，不僅具有創新性，而且尊重源材料，這使得他們在同齡人中脫穎而出。聆聽「Discovery」就像在兩位音樂大師的指導下穿越音樂史。這張專輯在歐洲音樂界的重要性不可小覷。它深刻地影響了音樂世界，並創造了電子音樂的新標準。 Daft Punk 在在一起 30 年後於 2021 年解散，沒有他們，音樂世界會變得更加貧窮——《Discovery》如果不能證明這一點，那就毫無意義。草皮

1) 馬克斯‧里希特 – 藍色筆記本

（德國/英國 - 2004 年）

德國出生的英國作曲家和鋼琴家馬克斯·里希特是我們這個時代最重要的音樂家之一。在過去的23年裡，你在音樂廳、藝術裝置、以及大螢幕上聽過他的音樂（與巴希爾跳華爾茲,星際探索）和較小的（《守望塵世》、《黑鏡》）。這位後極簡主義和新古典主義作曲家不僅在我們的名單中名列前茅，而且在本世紀蓬勃發展的新浪潮後古典作曲家名單中名列前茅，因為他們中的許多人都歸功於里希特獨特的令人著迷的作品。從紙上看，他的第二張專輯《藍色筆記本》讀起來非常自命不凡：這是一張抗議伊拉克戰爭的專輯，以管弦樂和電子音樂為特色，作為閱讀弗朗茨·卡夫卡和切斯瓦夫·米沃什的背景，由英國女演員蒂爾達·斯文頓朗誦。但不要讓它欺騙你。這個概念並不像聽起來那麼做作。事先不了解「藍色筆記本」有關死亡和事物無常的令人陶醉的主題的聽眾會遇到一個與眾不同的、引人注目的夢境。令人不安的合成曲“Shadow Journal”、宏大的“The Trees”和華麗的“Vladimir’s Blues”等出色曲目都證明了里希特如何將弦樂和鋼琴與電子紋理無縫地交織在一起。然後是《論日光的本質》，這是一首悲傷的歌曲，很容易成為你可能聽過的最美麗的歌曲之一——無論是本世紀還是其他世紀。它出現在多部電影和電視劇中（最著名的是馬丁斯科塞斯的禁閉島, 丹尼斯·維倫紐瓦到達，以及最近在 HBO 的熱門劇集《最後生還者》中），並將其稱為 - 以及整個“藍色筆記本” - 電影在這一點上近乎陳詞濫調。但描述很符合。 《藍色筆記本》是作曲家作品的完美切入點，這是一張雄心勃勃但易於理解的概念專輯，它不斷有力地證明流行和電子情感可以與當代古典音樂的複雜性完美融合。DM